Una figura giovanile, senza barba, con capelli arricciati a mo’ di mitologia greca. Chi è costui?
Nella mano sinistra afferra una spada e sul suo fianco destro è appoggiato uno scudo! Il piede è posto su un elmetto da combattente! Forse un guerriero?!
Risposta quasi esatta! L’Ares Ludovisi (figura in basso) è una scultura romana raffigurante la divinità Marte, dio della guerra, conservata presso il Museo Nazionale Romano.
Si tratta di una copia marmorea del II secolo a.C, di un originale greco del IV secolo a.C. attribuibile a Skopas o Lisippo. Proprio per questo, infatti, il dio romano è stato rinominato con il suo corrispondente greco, Ares.
Ares Ludovisi, II sec. a.C., Museo Nazionale Romano. Roma.
Ai piedi il piccolo figlio Eros (dio dell’amore) concepito con Afrodite, (dea della bellezza) gli bacia il polpaccio destro, offrendo alla composizione un pizzico di tenerezza che si contrappone alla forza che intende comunicare lo stereotipo del combattente.
L’opera fu riscoperta nel 1622, e si ritenne che con molta probabilità facesse parte del tempio di Marte situato in prossimità dell’antico Campo Marzio, di cui attualmente rimangono poche tracce.
Subito dopo entrà a far parte della collezione del cardinale Ludovico Ludovisi, da cui prende il nome ed è attualmente visibile in tutto il suo splendore.
Klimt rappresenta le tre fasi della vita femminile: l’infanzia, la maternità e la vecchiaia. L’artista sceglie una composizione decrescente: a sinistra colloca la figura di una donna anziana di profilo e con la mano sul volto, come a non voler farsi vedere; i suoi capelli sono grigi, così come la tonalità del suo corpo che tende ad inscurirsi rispetto alle altre due figure. Quest’ultime, posizionate a sinistra, rappresentano una donna in età fertile che abbraccia una bambina.
Particolare donna anziana.
La donna è raffigurata con dei bellissimi capelli rossi, ornati da alcuni particolari che sembrano decorazioni floreali; le guance sono rosse e vivide, il colore del corpo tende al chiaro, creando un netto contrasto con l’altra figura adulta della composizione.
La bimba dai capelli neri dorme tranquilla tra le sue braccia; tra le due figure sembra esserci un legame pari a quello tra madre e figlia, creando un altro contrasto concettuale con la terza, che invece pare malinconicamente distaccata dal contesto.
Particolare della donna che abbraccia la bambina.
I soggetti sono asciutti, sintetici e le geometrie compongono una decorazione che ricorda l’oro, come per le altre opere di rilievo dell’artista, che dipingerà questo capolavoro nel suo periodo maturo.
Ma proprio per questo forse Klimt ha scelto di posizionare i protagonisti in ordine decrescente? Forse egli si rivedeva nella donna anziana, ormai giunta al termine dei piaceri della vita?
La splendida architettura cinquecentesca del Chiostro del Bramantea Roma, ospita dall’8 settembre 2020 all’11 aprile 2021 una mostra dedicata all’artista misteriosoBanksy. Il nome dell’esposizione è Banksy a Visual Protest (in italiano: Banksy una protesta visiva).
Oltre novanta opere visive raccontano il mondo illustrato sui muri dall’artista sconosciuto. Lavori carichi di ironia, denuncia, politica, intelligenza, e protesta. Da Love is in the Air a Girl with Balloon; da Queen Vic a Napalm, da Toxic Mary a HMV, dalle stampe realizzate per Barely Legal, una delle più note mostre realizzate, ai progetti discografici per le copertine di vinili e CD.
Il percorso espositivo, infatti, presenta oltre venti progetti per copertine di dischi e libri, che abbracciano gli anni dal 2001 al 2017. Tutte le opere provengono da collezioni private.
Roma, Luglio 1600.Monsignor Cerasi, tesoriere di Papa Clemente VIII, acquista una piccola cappella nella Chiesa di Santa Maria del Popolo e chiede a Michelangelo Merisi da Caravaggio la realizzazione di due quadri su tavola con la Crocifissione di San Pietro e la Conversione di San Paolo. Caravaggio è molto rapido nell’eseguire il lavoro, ma i lavori nella cappella sono in alto mare, cosicchè gli viene chiesto di tenere le due tavole nel suo studio. Sappiamo però che i due dipinti non furono mai appesi alle pareti cui erano destinati, al cui posto oggi si trovano altre due tele con lo stesso soggetto, che Caravaggio eseguì in sostituzione delle prime.
Prima versione dell’opera.
Per quanto riguarda la Conversione di San Paolo, la prima versione è custodita dalla famiglia Odescalchi e si presenta molto legata alla tradizione cinquecentesca.
Invece nella versione della Cappella Cerasi, a un primo sguardo, l’opera rappresenta una drammatica caduta da cavallo e la mole dell’animale è così prevalente che il dipinto, ha scritto ironicamente Roberto Longhi, potrebbe intitolarsi Conversione di un cavallo.
Confronto tra la prima versione (a sinistra) e la seconda (a destra).
L’assenza di azione, la staticità e il silenzio sono funzionali a rendere visibile l’incontro con Dio. Un Dio che è assente, ma solo in apparenza; sono gli occhi sigillati di Saulo a contemplarne la visione. Disarcionato, Saulo tiene le braccia spalancate, come ad accogliere qualcosa o qualcuno, ed è illuminato da una luce proveniente dall’alto, che accarezza il cavallo prima di arrivare a lui. E il cavallo assume un ruolo inedito: ancora ansimante, si pone di traverso, quasi a sbarrare il cammino al futuro apostolo. Un tempo, chi cavalcava, deteneva il potere; qui Saulo, disarcionato, è in balia del suo animale.
E Caravaggio sembra volerci dire che è solo da questa prospettiva, apparentemente sfavorevole, che egli è pronto ad incontrare Dio.
Racchiusa tra i tracciati romani di via Aurelia Antica, via della Nocetta e via Vitellia, Villa Doria Pamphilij, con i suoi 184 ettari, è il più grande parco storico romano oltre ad essere l’unica villa rimasta pressochè integra nella struttura.
Le sue origini sono legate alla famiglia di cui porta il nome e che in questo pezzo di campagna romana realizzò, a partire dall’XVII secolo, la propria residenza a partire dal Casino di famiglia, oggi sede di un museo dedicato alla villa.
Il Casino del Bel Respiro
Il complesso consta di tre parti: la pars urbana, comprensiva del Palazzo e dei giardini circostanti; la pars fructuaria, composta dal pineto; e la pars rustica, che viene considerata la parte della vera e propria tenuta agricola.
Innovativi sono i giardini che sono concepiti su due assi ortogonali, il primo perpendicolare rispetto all’acquedotto e il secondo parallelo, ottenendo così un’intersezione nel giardino più in basso e non più intorno al Palazzo.
Magnifico il Casino del Bel Respiro con il suo Giardino Segreto, abbellito da siepi tagliate in modo tale da formare disegni vari, così come l’Arco dei Quattro Venti, ma anche Palazzo Corsini e la Cappella, in stile neogotico, che sorgeva lì dove c’era la Fontana dei Delfini.
La Fontana del Cupido
La Cappella
La natura della villa non è meno affascinante: qui si possono ammirare specie di elevato pregio naturalistico quali il Pino d’Aleppo, il Cedro del Libano e il Pioppo Nero.
In questa location la natura è a tratti selvaggia e custodisce anche interessanti testimonianze archeologiche, come una necropoli romana con due tombe di età augustea riccamente decorate con affreschi.
Nel 1975 i Pamphili vendettero la tenuta allo Stato italiano, che l’aprì al pubblico nel 1972.
Oggi Villa Pamphilij è attraversata da sentieri per fare jogging e disseminata di fontanelle, una vera oasi di pace nel cuore di Roma.
Michelangelo Merisi detto Caravaggio, realizzò il dipinto olio su tela intitolato Giuditta e Oloferne nel 1599. Attualmente è collocato presso la Galleria nazionale d’arte antica, in Palazzo Barberini a Roma.
Commissionato dal noto banchiere romano Ottavio Costa, il quadro ripropone l’episodio biblico, dal libro omonimo, della decapitazione del condottiero assiro Oloferne da parte della giovane ebrea e vedova Giuditta.
Giuditta e Oloferne, Caravaggio (1599).
‘’Quando si fece buio, i suoi servi si affrettarono a ritirarsi […] Rimase solo Giuditta nella tenda e Oloferne buttato sul divano, ubriaco fradicio. Allora Giuditta ordinò all’ancella di stare fuori della sua tenda e di aspettare che uscisse […] Avvicinatasi alla colonna del letto che era dalla parte del capo di Oloferne, ne staccò la scimitarra di lui; poi, accostatasi al letto, afferrò la testa di lui per la chioma e disse: «Dammi forza, Signore Dio d’Israele, in questo momento». E con tutta la forza di cui era capace lo colpì due volte al collo e gli staccò la testa. […]’’
Nella pittura, ad assistere all’atto violento, vi è anche l’anziana serva della giovane protagonista. Questo contrasto tra nuovo e vecchio incarnerebbe la sempiterna grandezza dei valori morali della Chiesa (siamo dopotutto, in pieno periodo di Controriforma) simboleggiati qui da una Giuditta (interpretata probabilmente dall’amica del pittore, Fillide Melandroni) in abiti contemporanei all’artista.
La scelta del vestiario non è casuale: ricordiamo infatti, che siamo in pieno periodo barocco, si punta sullo stupore indotto nello spettatore che assiste anche a rappresentazioni teatrali. Effettivamente non è il primo caso in cui Caravaggio si affida alla gestualità e all’espressività dei soggetti raffigurati nei suoi dipinti, ciò deriverebbe dagli studi compiuti da Leonardo sui moti interiori dell’anima che popolano appunto, la coscienza umana, studi poi diffusi da Lomazzo.
Gestualità ed espressività espresse alla massima potenza da Oloferne (che nel suo viso si riconosce un autoritratto del Caravaggio), il quale nella rappresentazione è diviso tra la vita e la morte, contrasto evidenziato dalla tesa muscolatura e dallo sguardo vitreo.
Il progetto della realizzazione del Colonnato di San Pietro è stato abbastanza complesso sotto il profilo architettonico e urbanistico sia per l’imponente facciata della chiesa realizzata da Carlo Maderno sia per la presenza dei palazzi sul lato destro della Piazza, e infine per problemi legati allo spazio che doveva esser garantito per le cerimonie papali alle quali partecipava un cospicuo numero di pellegrini e devoti che si riversava in Piazza San Pietro. Pertanto, il Bernini ha dovuto lavorare al progetto per diversi anni, circa undici, precisamente tra il 1656 e il 1667.
Colonnato in origine.
I colonnati sono costituiti da colonne di ordine tuscanico, disposte su quattro file, che creano tre gigantesche gallerie, precedute da monumentali ingressi arricchiti da timpani. Le colonne sopportano il fortissimo aggetto della cornice di coronamento a grossissimi dentelli, su cui Bernini fece collocare una serie di statue, di cui fece molti disegni e modelli, eseguite dai suoi allievi.
L’artista immaginò un primo spazio trapezoidale limitato da due ali divaricate verso la facciata e un secondo spazio ellittico, circondato dai colonnati. L’asse trasversale è segnato dall’obelisco e dalle due fontane. Le quattro file di colonne di ciascun colonnato sono allineate sui raggi provenienti da un centro visivo posto al di là delle fontane e segnalato in terra da una pietra circolare. Da quel punto sembra che vi sia una sola fila di colonne.
La vista odierna del colonnato con prospettiva dall’alto.
I colonnati, costituiti da due cerchi che s’intersecano a maggior distanza dalle loro metà, costituiscono una ellissi che sembra nascere dall’allontanarsi, a tenaglia, delle due esedre.
Tuttavia l’apertura di via della Conciliazione, avvenuta tra il 1936 e il 1950, ha cancellato la successione graduale degli effetti prospettici, offerti dalla piazza all’uscita dalle strade dei Borghi.
Guarino Guarini (1624-1683) diventò architetto grazie agli studi matematici, filosofici e teologici.
L’architetto Guarino Guarini
Nel 1639 si recò a Roma, dove apprese le tecniche del grande Borromini.
Dieci anni dopo tornò nella sua città natale, Modena, e fu ordinato sacerdote. Qui seguì le costruzioni della chiesa di San Vincenzo e del convento dei teatini.
In seguito, insegnò per cinque anni filosofia, e nel 1655 venne nominato Preposito della Casa Teatina di Modena. Nonostante ciò, l’opposizione del duca Alfonso IV d’Este provocò il suo allontanamento dalla città.
Alfonso IV d’Este, duca di Modena
In seguito fu destinato a Messina (1660) per insegnare, e proprio nella città siciliana pensò di pubblicare anche una tragicommedia intitolataLa Pietà trionfante. Qui realizzò il progetto del completamento della Chiesa della Santissima Annunziata (1660-1662), con l’aggiunta della facciata ricurva.
Nel 1662 fu chiamato a Parigi per prestare servizio in merito alla ricostruzione della Chiesa di Sainte-Anne-La-Royale. Questa venne progettata con una complessa cupola ad archi intrecciati, ma purtroppo non fu portata a termine. Nella capitale francese insegnò teologia e pubblicò Placita philosophica (1665).
L’anno seguente Guarino Guarini ricevette la chiamata che avrebbe condizionato la sua vita e la sua produzione artistico-professionale.
Carlo Emanuele di Savoia lo volle a Torino per alimentare il proprio programma di espansione urbana.
Fu proprio nel capoluogo sabaudo che egli realizzò le opere più importanti: la Chiesa di San Lorenzo, la Cappella della Sacra Sindone, e Palazzo Carignano.
La Chiesa di San Lorenzo
Realizzata tra il 1668 e il 1687, ha una pianta ottagonale; è inscritta in un quadrato di colonne che sembrano sostenere la cupola ottagonale ad archi intrecciati con sovrastante cupolino.
La Chiesa di san Lorenzo a Torino
La Cappella della Sacra Sindone
Costruita alla fine del XVII secolo, ci fa comprendere quanto vi sia di Borromini nelle opere di Guarino Guarini, soprattutto per la presenza di nervature di marmo nero. I progetti iniziali furono nel tempo modificati, soprattutto per quanto riguarda la cupola, che venne alleggerita.
La cupola della Cappella della Sacra Sindone
Palazzo Carignano
Realizzato nel 1679, è caratterizzato da una monumentale facciata ondulata; per realizzare questa struttura l’autore si servì del mattone per accentuare gli aspetti scenografici dell’edificio.
Palazzo Carignano a Torino
Si può infine dire che l’architetto, per la realizzazione delle eccezionali costruzioni tutt’oggi visibili, fu influenzato da vari fattori: i grandi autori a lui coevi, i suoi studi, ma anche un estro fuori dal comune.
Norcia è un comune italiano di circa 4800 abitanti che si trova in provincia di Perugia, in Umbria.
È un luogo che conquista l’anima, infatti, non a caso, le sue mura di cinta disegnano un’evocativa forma acuore.
Si trova nel punto di congiunzione tra due realtà paesaggistiche assai diverse ma contigue: la Valnerina, ovvero il comprensorio della stretta valle fluviale scavata dal fiume Nera e dai suoi affluenti, e i Monti Sibillini, una zona montuosa.
Stiamo parlando di un paese pieno di storie, leggende, santi e tradizioni culinarie.
Papa Gregorio Magno definì Norcia “Vetusta Nursia“, epiteto che ancora oggi ritroviamo sull’arco di Porta Romana, una delle sette vie d’accesso alla città.
L’incisione sulla Porta Romana
Norcia in passato era una città sabina, costituita da una popolazione pre-romana che abitava l’Italia centrale. Spesso la sua nascita è legata al re Enotrio d’Arcadia, vissuto tra il 1500 a.C. ed il 1400 a.C., ben sette secoli prima di Roma.
Il suo nome deriverebbe da quello della dea Norzia(o Nortia), la divinità etrusca della fortuna e del destino.
Norcia e Roma sono legate da un doppio filo. Le loro storie si intrecciano in continuazione, vedendole a volte rivali, più spesso alleate. Da Virgilio, che la nomina nell’Eneide, passando per il famoso ratto della sabine, arrivando alle origini sabine di numerosi re di Roma.
Nel 480 d.C qui nacquero San Benedetto e Santa Scolastica, i santi gemelli. Divenne così la patria del patrono d’Europa, il grande riformatore del cristianesimo.
San Benedetto da Norcia.
La storia di Norcia è strettamente legata anche a quella dei terremoti, purtroppo numerosi, che l’hanno colpita nel corso dei secoli. I diversi eventi sismici, alcuni davvero molto potenti, hanno contribuito in modo deciso a disegnare l’attuale profilo del borgo. L’ultimo, nel 2016, ha causato crolli, danni e migliaia di sfollati.
In particolare, ha provocato il crollo della navata centrale e del campanile settecentesco della Basilica di San Benedetto.
La Basilica prima del crollo.
La costruzione originale, comprendeva la splendida facciata gotica, il rosone e i fregi dei 4 evangelisti, risalenti al XII secolo. In passato fu costruita nello stesso luogo in cui sorgeva una basilica di epoca romana andata successivamente distrutta.
La Basilica dopo il crollo.
Sono inoltre crollati i tetti della Concattedrale di Santa Maria Argentea e delle chiese di San Francesco e di Sant’Agostino. Il Santuario della Madonna Addolorata con il suo campanile e porzioni delle mura medievali sono stati totalmente rasi al suolo. Il sisma ha anche danneggiato lievemente il Palazzo Comunale e la Castellina.
Al primo piano della Galleria degli Uffizi di Firenze, nella Sala Caravaggio, è presente il celebre Scudo con testa di Medusa di Michelangelo Merisi. Essa fu realizzata tra il 1592 e il 1600.
Si tratta di un dipinto ad olio 60 x 55 cm su una tavola rivestita in tela. Fu un opera realizzata a Roma per il mecenate cardinale Del Monte, che la regalò a Ferdinando de’Medici.
Venne dedicata a Medusa, il famoso personaggio della mitologia greca che consumò una notte d’amore con Poseidone nel tempio di Atena, provocando proprio l’ira della dea. Quest’ultima, offesa, tramutò i capelli di Medusa in serpenti e fece sì che chiunque le guardasse gli occhi venisse tramutato in pietra.
Scudo con testa di Medusa – Caravaggio.
Nel dipinto la figura è stata ripresa pochi secondi dopo che la testa fosse stata recisa di netto dalla spada di Perseo. È un’immagine senza tempo. La smorfia di orrore, nel suo realismo e nella sua forza espressiva, è davvero impressionante.
I muscoli sono contratti nell’ultimo istante di vita. Gli occhi atterriti e rigonfi, la bocca spalancata in un grido. I serpenti sul capo partecipano alla drammaticità della scena agitandosi e contorcendosi.
L’opera nasce come scudo da parata. Il volto stravolto di Medusa, comune per gli scudi delle armature del XVI e XVI sec. come simbolo della vittoria della ragione sui sensi, suscitò subito ammirazione e stupore ispirando vari componimenti poetici come quello di Gaspare Murtola nel 1603:
”Fuggi che se stupore agli occhi in petra, ti cangerò anche in petra”.
