Archivi tag: Pittura

DONNA CHE PIANGE: L’INDAGINE PSICOLOGICA FEMMINILE DI PICASSO

Donna che piange di Pablo Picasso, conservato al Tate Modern di Londra, è il risultato di uno studio meticoloso dispiegato in sue numerose versioni, conclusosi poi, nel 1937, con quest’ultima e peculiare riproduzione che andremo ad analizzare.

Anzitutto, la protagonista dell’opera è Dora Maar, forse la più nota amante del pittore spagnolo, soggetto anche di altre tele degli anni ’30 e ’40, di stampo realistico e cubista. Basti pensare alla figura che sorregge la lampada al centro di Guernica o al ritratto, sempre del 1937, che la vede seduta su una sedia a braccioli.

Donna che piange di Picasso: analisi
Donna che piange, Pablo Picasso.

La raffigurazione di una donna mesta, nasce dall’intento dell’artista che vuole dare alla femminilità l’accezione di introspezione psicologica senza ricorrere alla mera superficialità figurativa della donna stessa. In un certo senso Picasso, vuole sottolineare l’identità psicologica della donna, spesso considerata solo una musa dalla bellezza superlativa, ignorandone la sfera emotiva, abitata da pensieri e da sentimenti, al pari degli uomini, se non più profondi.

”La mia vita con Picasso” è il libro scritto da Françoise Gilot, la pittrice che per quasi dieci anni condivise il mondo e la vita del grande artista, diventando la sua musa.

Ordina a prezzo speciale ”La mia vita con Picasso” di Françoise Gilot cliccando QUI.

La scomposizione cubista “spalma” sulla tela la rappresentazione del volto della Maar, rigato dalle lacrime, circoscritto dal cappello rosso con un fiore blu e dalle mani intente ad asciugare il pianto.

Nonostante la matrice cubista e i colori netti, decisi la figura non è deformata; piuttosto la composizione sembra richiamare alla mente alcuni lavori di Henri Matisse, tra i quali potremmo citare Donna col cappello del 1905 e il contemporaneo (a Picasso) Signora in blu del 1937.

Antonella Buttazzo per L’isola di Omero

Gli amanti di Magritte: l’immortalità surrealista dell’amore

Tra i più famosi dipinti di René Magritte, Gli amanti o Les Amants risale al 1928 ed oggi conservato al Moma di New York.

I protagonisti del quadro sono un uomo e una donna ritratti mentre si baciano. I volti degli attori principali sono coperti da un telo bianco, i cui panneggi riecheggiano ai drappeggi delle divinità dell’arte classica.

L’immagine, senza particolari dettagli che ne definiscono l’identità dei personaggi, rappresenterebbe l’impossibilità dei due protagonisti di esprimere il sentimento amoroso, comunicato tramite il gesto del bacio.

Les Amants: il bacio (e l'amore) tra enigma e cecità
Gli amanti, R. Magritte.

Nella simbologia del bacio si espande la dimensione del pittore surrealista, da cui è possibile trarre due chiavi di lettura: un’impossibile espressione amorosa da una parte, mentre dall’altra l’illusione di un amore inespresso a causa della realtà.

Ecco che qui, dinanzi a questo bivio si interseca l’intenzione enigmatica attuata dal pittore per mezzo dei colori e degli elementi del quadro: il rosso, come simbolo di morte che può rifarsi ad una sorte di amore platonico tra un vivo e un defunto, accentuato dal vestito funereo del protagonista maschile, simbolo di lutto e di assenza.

Se i colori possono avere una connotazione negativa, gli elementi rappresentati, al contrario, assumono un carattere positivo: un amore che va oltre i limiti imposti dal mondo, un bacio che rompe le congetture, che supera tutto e che trova il suo posto nel mondo in un’epoca irrequieta e mutevole come quella del ‘900.

De Gli amanti esiste un’altra versione, sempre realizzata nel 1928, ma esposta alla National Gallery of Australia di Canberra.

Questa si discosta dalla prima per la posizione degli amanti che, in tal caso, sempre coperti dal telo si rivolgono allo spettatore, stagliati su uno sfondo verde rigoglioso.

Risultato immagini per les amants alla National Gallery of Australia di Canberra
Gli amanti, versione presente presso la National Gallery of Australia di Canberra.

Da entrambi i quadri si evince la forte influenza metafisica di De Chirico, e soprattutto dal quadro Ettore e Andromaca, dove anche lì, gli amanti sono impossibilitati a baciarsi e ad esprimere il loro sentimento.

"Les Amants": il bacio (e l'amore) tra enigma e cecità

Antonella Buttazzo per L’isola di Omero

Il donatore felice di René Magritte: tra illusione, sogno, e realtà

René Magritte è tra i pittori surrealisti più originali e famosi. Un uomo elegante ed educato, come molti, ma capace di trasformare la realtà come pochi. Un uomo in grado di creare capolavori straordinari che trasformano in sogno il quotidiano. Perché in questo sta il genio dell’artista: ci ha spinto ad osservare il mondo con occhi diversi, a stupirci di ciò che è apparentemente banale e a scavare sotto la superficie scoprendo che essa è molto più interessante di come appaia.

Il donatore felice, realizzata nel 1966 e conservata al Musèe d’Ixelles a Bruxelles, è un’opera che al suo interno sintetizza molte tematiche affrontate da Magritte.

Risultati immagini per il donatore felice
Il donatore felice, R. Magritte.

Su un fondo scuro, che un muro separa dal nulla, emerge la sagoma di un uomo con bombetta da cui traspare una luminosità interna alla silhouette utilizzata per la autocitazione di un altro notissimo quadro, L’empire des lumières,nel quale un’importante casa immersa nel buio avanzante di un tramonto ormai compiuto presenta tutte le sue le finestre illuminate a festa dalla luce interna. Sul muro una sfera grigia racchiude al suo interno uno dei tanti misteri magrittiani non partecipando all’evidente felicità interna dell’uomo in bombetta il quale assapora tutto lo splendore della coscienza di chi ha appena donato in un contesto intorno imperscrutabile per il buio della normalità. Il titolo dell’opera, che peraltro raccoglie una sinestesia tipica della lingua francese per la quale il donatore è sempre felice, è particolarmente significativo: chi dona non indugia nel calcolo economico, non opera per il profitto ma introietta se stesso nella trasparente luce della felicità che prolunga e nega, al tempo stesso, il momento quotidiano della vita attiva.

Risultati immagini per magritte renè
René François Ghislain Magritte (Lessines, 21 novembre 1898 – Bruxelles, 15 agosto 1967).

Queste parole furono scritte da Magritte pochi mesi prima di morire e rendono bene la personalità di un artista capace di scavare a fondo nella realtà e di restituirci un’immagine di essa priva di luoghi comuni e di immagini stereotipate: “Ciò che vedete sulla superficie di quel muro non è un insieme di linee e di colori; è una profondità, un cielo, delle nuvole che hanno alzato il sipario del vostro tetto, una vera colonna intorno a cui potete girare, una scala che prolunga i gradini su cui vi trovare 8 e voi fate già un passo nella sua direzione, vostro malgrado), una balaustra di pietra da cui si stanno affacciando per vedervi i volti attenti dei cortigiani e delle dame, che portano nastri e abiti uguali ai vostri, che sorridono al vostro stupore e ai vostri sorrisi, facendo verso di voi dei segni che trovate misteriosi soltanto perché hanno già risposto senza aspettare quelli che voi farete loro”.

Alessia Amato per L’isola di Omero

Caravaggio a Malta: tra arte e tormento

«Affrontatosi con Ranuccio Tomassoni giovane di molto garbo, per certa differenza di giuoco di palla a corda, sfidaronsi, e venuti all’armi, caduto a terra Ranuccio, Michelangnolo gli tirò una punta, e nel pesce della coscia feritolo, li diede a morte».

Così il biografo di artisti Giovanni Baglione, nel suo Le vite de’ pittori, scultori et architetti dal pontificato di Gregorio XIII del 1572 in fino a’ tempi di Papa Urbano Ottavo, nel 1642, descriveva l’assassinio di Tomassoni compiuto dal Caravaggio, che condusse l’artista a Malta.

Il 28 maggio del 1606 a Roma, infatti, il noto artista Michelangelo Merisi (detto Caravaggio) fu coinvolto in una disputa in strada con Ranuccio Tommasoni, noto aristocratico romano del tempo. Il tutto sfociò in uno scontro, e così il primo uccise il secondo. Il pittore fu costretto ad abbandonare la città eterna rifugiandosi a Malta per non incorrere in problemi penali.

Caravaggio sbarcò sull’isola nel luglio del 1607, dopo aver ottenuto il titolo di cavaliere, che gli avrebbe permesso una grazia pontificia per tornare a Roma.

Circa la permanenza sull’isola non possediamo notizie se non scarse testimonianze pittoriche: come il San Gerolamo conservato nella concattedrale di La Valletta ed eseguito per il cavaliere Ippolito Malaspina, l’Amorino dormiente per il cavaliere fiorentino Francesco dell’Antella, il Ritratto del gran maestro Alof de Wignacourt con un paggio e l’immensa tela raffigurante la Decollazione del Battista.

Caravaggio sleeping cupid.jpg

In foto: Amorino dormiente, 1608-09, olio su tela, 72×105 cm, Palazzo Pitti, Firenze

L’ultima opera citata fu sicuramente quella che richiese maggior impegno da parte dell’artista, soprattutto per via delle dimensioni imponenti (361×520 cm). Dipinta in prossimità del conferimento del titolo di cavaliere di Grazia, vediamo stagliarsi una tragica scena, cruda e violentissima, ambientata in un silenzioso cortile: lì, dove il boia ha già reciso la testa del Battista, notiamo che un rivolo di sangue delinea la firma del pittore «F MICHELAN». La ‘’F’’ potrebbe interpretarsi come l’iniziale di ‘’Fra’’, ossia indicherebbe la nomina già avvenuta di cavaliere.

Le figure imponenti raffigurate sulla sinistra dell’opera sono rappresentate con estremo naturalismo, tanto da delineare uno stile sempre più essenziale dell’artista. Le pennellate sono lunghe e sicure, con contrasti luministici che donano una sobrietà compositiva all’insieme.

Risultati immagini per la decollazione del battista caravaggio
La decollazione del Battista, olio su tela, 361×520 cm, 1608, Concattedrale di San Giovanni.

Il soggiorno maltese di Caravaggio verrà interrotto bruscamente ad inizio dell’autunno del 1608 da una rissa molto accesa: alcune testimonianze scritte affermano che abbia ferito un cavaliere di rango superiore a lui; altre fonti parlano addirittura di una disputa tra l’artista e altri sei cavalieri.

La vicenda si concluderà con la reclusione del pittore nel carcere di La Valletta e la fuga compiuta il 6 ottobre dello stesso anno, mentre era in attesa del processo.

Michelangelo Merisi scappa in segreto verso Siracusa, e intanto sull’isola viene espulso con disonore dall’ordine maltese e definito «Come membro fetido e putrido». Si chiude, dunque, in modo maldestro l’avventura a Malta di un uomo complesso, che anche a causa di tale vicenda verrà definito dai posteri come il pittore maledetto.

Antonella Buttazzo per L’isola di Omero

Dopo Caravaggio: il Seicento napoletano in mostra a Prato (info biglietti e orari)

Il Museo di Palazzo Pretorio a Prato ospita la mostra Dopo Caravaggio. Il Seicento napoletano nelle collezioni di Palazzo Pretorio e della Fondazione De Vito. L’esposizione può contare infatti su alcuni dipinti “mai visti” della Fondazione, oltre che sulle tele più suggestive del Seicento.

L’evento, inaugurato lo scorso 14 dicembre, sarà aperto fino al 13 aprile 2020.

L’obiettivo è quello di raccontare l’impatto determinante della pittura di Caravaggio sugli artisti della scuola napoletana nel XVII secolo. Non a caso il nome della mostra è “Dopo Caravaggio“.

La locandina della mostra

Il viaggio inizia con il naturalismo post caravaggesco, nelle diverse interpretazioni degli artisti napoletani, fino ad arrivare all’espressività pittorica del linguaggio barocco.

Informazioni utili

Biglietti: 10€ intero, 8€ ridotto (trenitalia, coop Firenze, soci Arci, Soci Touring, Soci FAI), 6 € (possessori voucher partecipazione EatPrato Winter), 4€ ridotto (Under 26).

Orari: dal lunedì al sabato 9.30-19.00; domenica 9.30-18.30.

Cosimo Guarini per L’isola di Omero

Giotto: il pittore che rivoluzionò la storia dell’arte

Considerato a tutti gli effetti il primo pittore italiano, la fama di Giotto è documentata nelle citazioni e trattazioni di tanti artisti. Il suo richiamo alle sacre rappresentazioni e all’arte classica trovano corpo in uno spazio nuovo, tridimensionale, che contiene già i semi della spazialità del Rinascimento; i suoi personaggi dalla delicata intensità dei volti, hanno perso ormai la fissità  medievale, che non rivelavano emozioni, ma erano solo accennate nei gesti.


La sua fama immediata e duratura è dovuta soprattutto alla magistrale velocità e sicurezza con cui impone un nuovo modello di rappresentazione della realtà, che fa apparire vecchio e superato tutto il repertorio figurativo di Cimabue e di Duccio di Buoninsegna. 

Madonna Ognissanti (1306), Giotto.

Cennino Cennini, alla fine dl Trecento aveva già affermato che Giotto “volse la pittura da greco in latino” intendendo che egli aveva abbandonato i rigidi schemi della pittura bizantina, per aprire un nuovo capitolo della pittura occidentale basata sul “racconto” attraverso i cicli di affreschi degli eventi sacri. La vera “rivoluzione pittorica“ consisteva nel realismo cromatico, nella rappresentazione dello spazio tridimensionale, nell’introduzione del pathos; il tutto sostenuto da una sapiente costruzione dei volumi, definiti nei contorni e con effetti di chiaroscuro.
Il valore del pittore non consiste certo nel saper imitare la natura, ma nel riuscire a esprimere la propria concezione del mondo e quella della sua società. Questa è dunque la grandezza di Giotto: egli è interprete della collettività borghese, laica e religiosa al tempo stesso. L’artista, a partire da Giotto, attraverso la realizzazione di immagini di straordinaria capacità divulgativa dei contenuti, viene ad assumere così un ruolo sociale fondamentale nella società del suo tempo e prepara gli sviluppi culturali futuri. 

Rosa Araneo per L’isola di Omero

American Gothic: un’icona dell’America di ieri e di oggi

Il mito del progresso avanza e tocca tutto. Le nazioni si sviluppano, le società si evolvono e si proiettano verso nuovi orizzonti ma, al tempo stesso, le origini dell’umanità costituite da un mondo rurale e tradizionale iniziano a perdere terreno: l’uomo si allontana sempre di più dalla propria storia. Questo accade, ad esempio, negli Usa degli anni 30′: gli Stati Uniti d’America sono la nuova potenza economica per eccellenza, un modello per altri paesi al quale ispirarsi.

Sogno e crescita rappresentano un binario sul quale sfreccia questo treno inarrestabile. D’altra parte, c’è chi vede l’evoluzione con grande sfiducia: sente il peso degli effetti collaterali e tenta di ritornare alle origini opponendosi al rinnovamento e, quasi, maledicendolo. È l’ottica del regionalismo pittorico che nasce in questi anni e, nel cui ambito, si muovono i pittori che vivono lontano dalle metropoli rifiutando la tecnologia alla quale preferiscono il mondo provinciale e campestre, privo di ritmi frenetici.

Risultati immagini per regionalismo pittorico

Nel 1930 Grant Wood, componente attivo e principale di questo discorso artistico, nell’opera intitolata American Gothic conservata presso il The Art of Institute of Chicago ci racconta questo sentimento di ribellione che anima gli artisti del suo tempo. Ispirato dalla vista di una piccola casa colonica dal tipico stile architettonico nordeuropeo mentre passeggiava tra i campi di Eldon, nell’Iowa – suo paese natale – l’artista provò ad immaginare gli abitanti di quella piccola dimora dai toni caratteristici e decise di dare vita ad una scena apparentemente di genere ma che, ancora oggi, cela numerosi interrogativi: chi sono i protagonisti di questo quadro e qual è la loro storia? Sono sposati o si tratta di padre e figlia immortalati uno accanto all’altra? Di certo, chiara è la volontà del suo autore di rappresentare la dignità dei valori morali della classe media dell’America rurale nel cosiddetto Midwest che possiamo notare, fin da subito, spostando lo sguardo sullo sfondo della scena.

Grant Wood- American Gothic.

Entrambi si pongono in primo piano guardando fuori dalla tela in una postura dal carattere fortemente stilizzato, un omaggio alla tecnica fiamminga rinascimentale che ha il suo maggiore esponente in Jan Van Eyck e che Wood aveva studiato durante un viaggio a Monaco nel 1928. Restano avvolti nel mistero l’obiettivo e il messaggio globale dell’opera che, però, offre numerose chiavi di lettura: il dipinto è austero, con una sottile vena ironica nella rappresentazione dei personaggi – con l’uomo che impugna il forcone, il suo strumento di lavoro – simbolo dell’attaccamento alle proprie radici culturali. La donna, molto più giovane rispetto all’uomo, ha un impatto diverso sull’osservatore: il vestito semplice appesantisce le sue forme e il viso ha una sfumatura malinconica, forse a simboleggiare la condizione di vita dura e sofferta che deve affrontare ogni giorno. Risaltano i valori puritani dell’America coloniale e la dimensione di chiusura che vigeva in quegli anni.

L’opera viene da subito interpretata come un ritratto comico, a causa dell’assurdità della scena e dei suoi protagonisti. Il dipinto incuriosisce il grande pubblico, conosce una rapida diffusione grazie alla pubblicazione su numerosi quotidiani attirando l’attenzione dell’opinione pubblica americana. Oggi costituisce un’icona pop, al pari della Gioconda e della Venere del Botticelli: originale ed enigmatica, resiste ai rigidi canoni della critica e delle classificazioni, diventando un simbolo atemporale ed immortale sempre al servizio dell’attualità.

Alessia Amato per L’isola di Omero

Le nozze di Cana: l’umanità segreta nella pittura di Giotto

Le Nozze di Cana è un affresco (200×185 cm) di Giotto, databile al 1303-1305 circa e facente parte del ciclo della Cappella degli Scrovegni a Padova. È compreso nelle Storie di Gesù del registro centrale superiore, nella parete sinistra guardando verso l’altare.

Protagonisti sono Gesù e Maria, posti uno a sinistra della rappresentazione e l’altra a destra; sono, insieme a S. Pietro, gli unici personaggi ritratti con l’aureola. Sulla destra l’attenzione è decisamente catturata dall’obeso, intento ad assaggiare il vino nuovo. Proprio questo personaggio testimonia il fatto che Giotto rinnova il modo di ritrarre le figure umane proponendo, spesso, vere e proprie istantanee della vita del suo tempo.

La scena è ambientata in una stanza: drappi rossi rigati coprono le pareti, un fregio corre in alto e in alto stanno grate lignee traforate e rette da mensole, sulle quali si trovano dei vasi e degli elementi decorativi. Seguendo il Vangelo di Giovanni è mostrato il momento in cui Gesù, seduto a sinistra accanto allo sposo e vicino a un apostolo, benedice con un gesto l’acqua versata nelle grandi giare dall’altra parte della stanza e trasformandola in vino.

Le Nozze di Cana (1303-05), Cappella Scrovegni – Padova.

Il pittore ha vivo il senso della realtà delle cose e dei fatti ma la semplifica proiettando il racconto in un’atmosfera rarefatta che lo carica di un significato trascendente. Tutto ciò che accade è sottratto al capriccio del caso o alla volontà dei personaggi ed appare invece determinato dalla costante presenza di una legge suprema. È questa segreta onnipresenza di Dio che conferisce un significato religioso all’arte di Giotto.

Giotto è considerato il fondatore del linguaggio pittorico del ‘300. Nasce nel 1276 a Colle, borgo del Mugello ed inizia, molto presto, a dipingere nella bottega di Cimabue. Da questo insigne maestro apprende l’arte di scansionare nettamente le ombre dalle luci, ricorre a simboli iconografici fissi per rendere riconoscibili i protagonisti delle narrazioni e mette in scena architetture fantasiose lontane dalla realtà. Giotto, insomma, muove i primi passi all’interno della tradizione portando innovazione attraverso la personalizzazione già individuabile nelle opere della giovinezza come la Madonna di S. Giorgio alla Costa o la Croce di Santa Maria Novella a Firenze.

Risultato immagini per ritratto giotto"
Raffigurazione di Giotto (Colle di Vespignano, 1267 circa – Firenze, 8 gennaio 1337).

Nel 1290 è ad Assisi, al fianco di Cimabue, nella decorazione della Basilica superiore di S. Francesco. Suo è il noto ciclo di affreschi sulla vita del Santo ma,non pochi critici, sostengono un suo intervento nella parte superiore della navata dove sono presentate le storie dell’Antico e del Nuovo Testamento. In particolare, è possibile riconoscere il suo stile nelle Storie di Isacco, nella Storia di Giuseppe ebreo, nel Pianto sul Cristo morto e nella Resurrezione. Qui diventa chiaro come, al bizantinismo fino ad allora imperante, egli reagisca opponendo una visione meno contemplativa e più drammatica dell’opera. S. Francesco, ad esempio, non è presentato come un asceta segnato da digiuni e mortificazioni ma come un’immagine di forza, virilità dignitosa ed eroica. Tutte le scene, poi, sono colte nel loro momento culminante di tensione patetica. La naturalezza di Giotto non nasce dall’osservazione diretta del vero, ma è recuperata dall’antico considerato esperienza storica da investire nel presente. Giotto trasforma l’immobilità iconica in imponenza monumentale, la tragedia in dramma: il sentimento non si esaspera cui il sentimento non si esaspera ma si traduce in azione.

Nel 1305 giunge a Padova chiamato dal ricco mercante Enrico Scrovegni per affrescare le pareti della cappella che lo stesso aveva fatto costruire per sé e per la sua famiglia. Nella supplica che rivolse al vescovo per poterla realizzare, Scrovegni, dichiarò di voler strappare in questo modo l’anima del padre dalle pene del Purgatorio ed espiare i suoi peccati. Cercava, così, di riabilitare la sua famiglia agli occhi della città la cui ricchezza affondava le proprie radici nell’usura.

Qualunque fosse lo scopo, una cosa è certa: l’opera è grandiosa. La cappella, a navata unica, misura 29,26 m di lunghezza, 8,48 m di larghezza e ha un’altezza di 12,80 m. Fu interamente rivestita di affreschi con episodi della vita di Gesù a partire dagli anni precedenti alla sua venuta arrivando fino alla Pentecoste. Le scene sono disposte in registri sovrapposti e la parete dell’ingresso è interamente dedicata al Giudizio universale. I paesaggi diventano parte integrante della composizione e l’azzurro denso del cielo mette in risalto tutti gli altri colori.

Alessia Amato per L’isola di Omero

Impressionismo: la corrente artistica che nacque dallo studio di Nadar

Sentendo parlare di Impressionismo viene subito in mente il binomio Arte-Parigi. È un’associazione quasi automatica, che rievoca alcuni tra i più grandi visionari della storia dell’arte.

In particolare questa corrente è riconducibile al periodo che va dal 1860 circa fino ai primi anni del ‘900.

La riscoperta della raffigurazione del paesaggio è uno dei concetti principali, come anche la metodologia di lavoro basata su tecniche sviluppate in en plein air, ovvero all’aria aperta. Ciò ha comportato un maggiore interesse rivolto al colore più che al disegno. In questo periodo tra l’altro avvennero le importanti scoperte del chimico francese Eugène Chevreul sull’accostamento dei colori. Quest’ultimo, in sostanza, suggeriva di accostarli senza mescolarli.

Risultati immagini per impressionismo
Parte della serie delle Ninfee di Monet.

Tale corrente ha visto anche il prevalere della soggettività dell’artista, con tutte le sue emozioni. Egli osservava un soggetto e lo riproduceva secondo ciò che sentiva nella propria interiorità.

La storia impressionista nasce quando nel 1863 Napoleone III inaugurò il Salon des Refusés, per ospitare le opere escluse dal Salon ufficiale di Parigi. Due anni dopo, in continuità con la vicende degli artisti rifiutati, Édouard Manet scandalizzò il pubblico proponendo la sua Olympia.

Risultati immagini per olympia manet
Olympia di Édouard Manet (1863), Museo d’Orsay di Parigi.

Ma la prima manifestazione ufficiale degli impressionisti avvenne il 15 aprile 1874 con una mostra organizzata presso lo studio del fotografo Felix Nadar. Qui parteciparono artisti di grandissima levatura come Monet, Degas, Sisley, Renoir.

Impressione, Levar del Sole (1872) – Claude Monet, Musée Marmottan Monet.

Il nome alla corrente artistica fu dato dal dipinto Impression, Soleil Levant (Impressione, Levar del Sole) di Monet. L’autore osserva il paesaggio e ne rappresenta le sfumature, con tutti gli elementi cromatici derivanti anche dal trascorrere del tempo.

Cosimo Guarini per L’isola di Omero

Il giuramento degli Orazi di David: il manifesto dell’arte neoclassica

Il giuramento degli Orazi (1785) è un dipinto a olio su tela del pittore francese Jacques-Louis David, conservato al Musée du Louvre di Parigi. Esso è considerato il manifesto del Neoclassicismo.

La leggenda: Orazi contro Curiazi

Il dipinto di David è tratto da una leggenda romana narrata da Tito Livio. Durante il regno di Tullio Ostilio (673 a.C.‎ – ‎641 a.C.), per decidere l’esito della guerra tra Roma e Alba Longa, tre fratelli romani (gli Orazi) si dovettero scontrare con tre fratelli di Alba Longa (i Curiazi). Dei Curiazi non sopravvisse nessuno mentre dei tre Orazi uno riuscì a ritornare sancendo la vittoria di Roma.

Analisi del dipinto

Nel quadro il momento rappresentato dal pittore è l’istante in cui i tre fratelli Orazi giurano al loro padre di difendere Roma a costo della vita prima della battaglia.

Risultati immagini per il giuramento degli orazi
Il particolare del giuramento.

Oltre ai quattro uomini, sulla destra vi sono alcune donne, tutte tristi per l’imminente conflitto.

Risultati immagini per il giuramento degli orazi
Le donne sulla destra del dipinto.

I colori utilizzati sono decisi e forti, così come l’espressione degli Orazi e la loro posizione ferma.

Perché rappresentare questo tema?

Durante il periodo di realizzazione del quadro, David si appassionò progressivamente all’antichità romana, alle sue leggende e ai suoi racconti.

Inoltre, Il sacrificio degli Orazi è il tema perfetto per suggerire, nel clima della Rivoluzione Francese, vista la nascita del nuovo Stato, più attenzione per il mondo civile piuttosto che per il mondo clericale e la chiesa.

Cosimo Guarini per L’isola di Omero