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Luis Sepúlveda: lo scrittore sognatore che viveva a sud del mondo

Non riuscirei mai a vivere lontano dal mare”.

(Luis Sepúlveda)

Cresciuto in Cile con cinquemila chilometri di costa, per Sepúlveda il mare è sempre stato a portata di mano, come una presenza costante. Sicuramente fonte di ispirazione, esso è il segno che contraddistingue i paesi latini e mediterranei. Quei paesi che spesso vengono definiti o pensati come possessori di un’anima calda, piena di natura, e carica di poesia.

Luis Sepúlveda - Il Libraio
Luis Sepúlveda (Ovalle, 4 ottobre 1949 – Oviedo, 16 aprile 2020).

Lo scrittore cileno, durante la propria esistenza, si è fatto carico di questo significato traducendolo in oro letterario. Ha viaggiato e scritto molto, venendo ricordato per aver dato vita ad alcune tra le opere con un maggiore significato sociale. Indimenticabile il suo Storia di una gabbianella e del gatto che le insegnò a volare (1996), da cui due anni dopo è stato tratto il film La gabbianella e il gatto, che ha segnato positivamente l’infanzia di molte persone oggi adulte.

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La storia della piccola gabbianella allevata dal gatto Zorba, porta con se diversi temi: la voglia di voler essere qualcun altro e poi successivamente di ritrovare se stessi; Il sentimento di non essere accettati da chi ci sta intorno; La collaborazione tra animali di specie diverse, così come quella che può avvenire tra le persone; La paura di non farcela, di non riuscire a spiccare il volo.

Sono tutti argomenti che trovano la loro massima esplicazione nella vita reale che ognuno di noi vive tutti i giorni. La grandezza di Sepúlveda è stata quella di trattare pensieri complessi in modo semplice, arricchendo le nostre anime, facendoci riflettere.

La sofferenza, la lotta politica, e l’amore per la moglie Carmen.

Luis Sepùlveda incontra Carmen Yanez nel 1968, quando alla guida del Cile c’era ancora il socialista Salvador Allende. Carmen aveva appena 15 anni e dopo soli tre anni anni decidono di sposarsi a Santiago del Cile. Dopo la nascita del primo figlio, un feroce colpo di Stato mette fine alla presidenza di Salvador Allende, instaurando il regime di Pinochet. Per entrambi comincia un periodo di clandestinità, arresti, torture e repressione.  Sepúlveda lascia il Cile nel 1977, Carmen quattro anni dopo. Le loro vite si separano. Lui si trasferisce in Germania e lei in Svezia. Ma il destino li riunisce nel 1996, nella Foresta Nera. Pochi giorni dopo partono per Parigi e nel 2004, a Gijón in Spagna, si sono risposati. 

Sopravvissuti al regime di Pinochet, alla violenza inaudita della sua dittatura e persino alle torture in carcere, Luis Sepùlveda e la moglie Carmen Yanez (divenuta una poetessa) hanno combattuto insieme contro un nemico comune: il coronavirus. Ma, questa volta, Luis non ce l’ha fatta.

Uniti da un filo indissolubile che intreccia i loro destini da sempre, Luis e Carmen sono la rappresentazione perfetta della forza dell’amore di fronte a qualsiasi ostacolo. Prima costretti all’esilio, poi separati per diversi anni e infine ricongiunti, la storia d’amore sembra uscita da un romanzo, proprio come recita una poesia di Sepùlveda, dal titolo La más bella historia de amor.

Luis Sepùlveda e Carmen Yáñez, moglie due volte. | RMagazine.it
Luis insieme alla moglie Carmen Yanez.

L’ultima nota del tuo addio
mi disse che non sapevo nulla
e che arrivavo
al tempo necessario
di imparare i perchè della materia.
Così, fra pietra e pietra
seppi che sommare è unire
e che sottrarre ci lascia
soli e vuoti.
Che i colori riflettono
l’ingenua volontà dell’occhio.
Che i solfeggi e i sol
raddoppiano la fame dell’orecchio
Che è la strada e la polvere
la ragione dei passi.

Che la via più breve
fra due punti
è il giro che li unisce
in un abbraccio sorpreso.

Che due più due
può essere un pezzo di Vivaldi.
Che i geni gentili
stanno nelle bottiglie di buon vino.

(La più bella storia d’amore, Luis Sepùlveda)

Cosimo Guarini per L’isola di Omero

Colazione sull’erba: Manet, fra realismo e libertà

La Colazione sull’erba è uno straordinario olio su tela, realizzato nel 1863 da Edouard Manet (Parigi, 23 Gennaio 1832 – Parigi, 30 Aprile 1883), ed attualmente custodito presso il museo d’Orsay di Parigi. 

Il dipinto sembra raffigurare una mattinata tranquilla nei pressi di una radura costeggiata dalla Senna, ove i tre personaggi principali hanno consumato la prima colazione con leggerezza e spensieratezza. 

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Vi sono due uomini vestiti secondo la moda cittadina del tempo, il che permette di identificarli sin da subito in quanto signori abbastanza abbienti. È evidente, inoltre, la scelta tattica del pittore di mostrare un margine di dialogo fra i tre personaggi, il quale però viene ben presto interrotto da un’attenta analisi che li sorprende tutti intenti ad osservare altro. Essi sono rapiti dalla bellezza di tale paesaggio, probabilmente. 

Tutti, eccetto la ragazza che siede accanto a loro, poiché sembra invece essersi accorta di uno spettatore al di fuori del quadro, al quale rivolge un sorriso malizioso. 

Da questa analisi del dipinto si evince come lo sguardo della ragazza non sia rivolto al paesaggio.

Si tratta di Victorine-Louise Meurent, la modella prediletta di Manet, che nonostante la sua nudità appare totalmente a suo agio. Da molti è stata descritta come una donna assolutamente contemporanea, libera e nient’affatto libertina. Infatti , a differenza di quanto possa inizialmente apparire, essa non appare già nuda nella scena, bensì denudata e probabilmente in procinto di fare un bagno, come dimostrano gli abiti posti accanto a lei. 

Qui, inoltre, l’artista ha dato vita ad una splendida rappresentazione di natura morta, proprio con ciò che della colazione è avanzato. 

Ancora una volta, possiamo affermare con certezza che i due uomini sembrano poco attratti anche da lei. 

Infine, appare in lontananza una quarta figura splendidamente illuminata dalla luce del sole. Il contrasto delle luci è evidente anche grazie alle sue vesti candide (si tratta probabilmente di una camicia da giorno). 

L’enigmatica figura, tuttavia, è fuori dalla scena che racchiude i primi tre personaggi, come afferma la sua posizione nel ruscello. 

Ancora in questo angolo di paesaggio, compare un fringuello in volo che dona realismo all’intera opera, oltre che quel pizzico di libertà utopica che già le si voleva attribuire. 

Angela Cerasino per L’isola di Omero

Statua della Libertà: alla scoperta dei suoi particolari e della loro simbologia sul monumento

La Statua della Libertà simboleggia l’amicizia tra francesi e americani, ma è anche l’emblema della dichiarazione d’Indipendenza del 1776.

L’opera riproduce una donna indossante una toga, che tiene nella mano destra una fiaccola simbolo del fuoco eterno della libertà e nella mano sinistra una tavola sulla quale si legge la data del giorno dell’indipendenza americana: il 4 luglio 1776.

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La mano sinistra con la tavola.

In realtà il vero titolo del monumento è “La Libertà che illumina il mondo” ed il suo autore fu il francese Frédéric Auguste Bartholdi, con la collaborazione di Gustave Eiffel, che ne progettò gli interni.

Ai piedi della scultura è possibile notare delle catene spezzate, in segno di liberazione, mentre sulla testa è posta una corona con sette punte, a simboleggiare i sette mari e i sette continenti.

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Le catene spezzate ai piedi della Statua.

Sul piedistallo che sostiene la struttura è incisa una frase tratta da un sonetto intitolato The New Colossus. L’autrice fu la poetessa americana Emma Lazarus. Si tratta di un vero e proprio inno alla libertà e ad una vita dignitosa, nato dopo che la donna fece visita ai quartieri di quarantena degli immigrati nel porto di New York.

Proprio per questo, la Statua della Libertà acquisì importanza anche per gli immigrati che nella seconda metà del XIX secolo arrivarono in America alla ricerca di un nuovo futuro:

«Tenetevi, o antiche terre, la vostra vana pompa – grida essa [la statua] con le silenti labbra – Datemi i vostri stanchi, i vostri poveri, le vostre masse infreddolite desiderose di respirare liberi, i rifiuti miserabili delle vostre coste affollate. Mandatemi loro, i senzatetto, gli scossi dalle tempeste e io solleverò la mia fiaccola accanto alla porta dorata.»

Cosimo Guarini per L’isola di Omero

La Libertà che guida il popolo: l’unione delle classi sociali in lotta contro l’oppressore

Il celebre dipinto La Libertà che guida il popolo di Eugène Delacroix, realizzato nel 1830, è conservato presso il Louvre di Parigi.

Per l’esecuzione del dipinto, l’autore fu ispirato dagli eventi verificatisi dal 27 al 29 luglio 1830 a Parigi; ovvero durante le Tre Gloriose Giornate che videro il popolo francese insorgere nei confronti dell’autorità del re Carlo X di Borbone.

In primo piano appare una donna che riveste i panni della personificazione della Francia che guida la gente in rivolta.

 A destra della donna vi è un ragazzino armato di pistole, simboleggiante il coraggio dei più giovani durante la lotta contro l’ingiustizia della monarchia assoluta.

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A sinistra, invece, è visibile un intellettuale borghese con un cilindro in testa. Convenzionalmente è ritenuto un autoritratto dell’artista, ma forse si tratta della raffigurazione di un suo amico dal nome Félix Guillemardet . Ai piedi della Libertà, invece, è visibile un giovane manovale che guarda speranzoso la fanciulla.

Il riutilizzo della Libertà

Nel 1944, dopo la liberazione della Francia dall’egemonia del regime nazista, alcune copie del dipinto stampate su dei volantini comparvero sui manifesti che celebravano la libertà riconquistata.

In particolare, dopo la fine della guerra, Charles de Gaulle riutilizzò l’immagine dell’opera d’arte per un uso prettamente politico. Lo stesso avvenne negli anni successivi, basta pensare a François Mitterrand e ai festeggiamenti per la sua elezione a Presidente della Repubblica nel 1981.

I simboli in politica contano molto, sopratutto quando rievocano lo spirito di unità nazionale. Del resto cosa c’è di più patriottico per i francesi che osservare un’immagine che rievoca la rivoluzione del 1789?

Cosimo Guarini per L’isola di Omero