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L’ABBRACCIO DI KLIMT: UNA PARTE DELL’ALBERO DELLA VITA

Un uomo e una donna, ornati da tuniche decorate, si uniscono in un abbraccio avvolgente e passionale.

Si tratta dell’opera dal titolo Abbraccio (Die Umarmung in tedesco) di Gustav Klimt.

Dipinto realizzato tra il 1905 e il 1909 con una tecnica mista su carta che misura 194×121 centimetri. Il quadro è custodito a Vienna presso il MAK – Museum Für Angewandte Kunst (in italiano: Museo delle arti applicate).

L'abbraccio di Klimt: storia, simboli e analisi dell'opera
L’abbraccio, Gustave Klimt, 1905 – 1909, Museum für angewandte Kunst, Vienna, Austria.

La commissione per quest’opera arrivò al pittore austriaco con l’intento di decorare il fregio del Palazzo Stoclet di Bruxelles.

 L’Abbraccio di Klimt è parte di un trittico composto da tre pannelli che sono dedicati alla serie dell’Albero della vita:

  1. L’attesa (rappresentata da una danzatrice);
  2. L’abbraccio (il soggetto del nostro racconto);
  3. Il Bacio, una delle opere più famose di Klimt.
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Analisi dell’opera:

In pieno stile secessionista, L’abbraccio è caratterizzato dall’uso della foglia d’oro sullo sfondo dei dipinti.

Questa ispirazione nasce all’artista da un viaggio compiuto a Ravenna nel 1903. Dopo aver visitato i mosaici bizantini delle chiese ravennati, rimase infatti estasiato dalle tessere dorate dei mosaici.

 Le figure rappresentate dall’artista sono volutamente prive di profondità pittorica. Il dipinto rappresenta le due figure che si stagliano contro un fondo bidimensionale, che è decorato con spirali.

Nelle ampie tuniche che indossano i due protagonisti ci sono tantissime decorazioni. Su quella che indossa l’uomo sono raffigurate geometrie grandi e colorate con tonalità che variano: brune, nere e bianche. Infine c’è qualche inserto color rosso, verde e giallo per ravvivare il tessuto delle tuniche.

Lo sfondo invece è realizzato con foglia d’oro, che conferisce brillantezza all’opera di Klimt.Lo spazio è segnato dalla linea di confine tra il suolo e lo sfondo, mentre è assente la prospettiva.

È rara l’abitudine dell’artista a commentare le sue opere, spesso quindi è difficile risalire al significato dei suoi dipinti. Anche se sono abbastanza evidenti i temi, quali, ad esempio, il sesso. E’ un tema che viene trattato dal pittore in modo appassionato.

Cosimo Guarini per L’isola di Omero

Gli amanti di Magritte: l’immortalità surrealista dell’amore

Tra i più famosi dipinti di René Magritte, Gli amanti o Les Amants risale al 1928 ed oggi conservato al Moma di New York.

I protagonisti del quadro sono un uomo e una donna ritratti mentre si baciano. I volti degli attori principali sono coperti da un telo bianco, i cui panneggi riecheggiano ai drappeggi delle divinità dell’arte classica.

L’immagine, senza particolari dettagli che ne definiscono l’identità dei personaggi, rappresenterebbe l’impossibilità dei due protagonisti di esprimere il sentimento amoroso, comunicato tramite il gesto del bacio.

Les Amants: il bacio (e l'amore) tra enigma e cecità
Gli amanti, R. Magritte.

Nella simbologia del bacio si espande la dimensione del pittore surrealista, da cui è possibile trarre due chiavi di lettura: un’impossibile espressione amorosa da una parte, mentre dall’altra l’illusione di un amore inespresso a causa della realtà.

Ecco che qui, dinanzi a questo bivio si interseca l’intenzione enigmatica attuata dal pittore per mezzo dei colori e degli elementi del quadro: il rosso, come simbolo di morte che può rifarsi ad una sorte di amore platonico tra un vivo e un defunto, accentuato dal vestito funereo del protagonista maschile, simbolo di lutto e di assenza.

Se i colori possono avere una connotazione negativa, gli elementi rappresentati, al contrario, assumono un carattere positivo: un amore che va oltre i limiti imposti dal mondo, un bacio che rompe le congetture, che supera tutto e che trova il suo posto nel mondo in un’epoca irrequieta e mutevole come quella del ‘900.

De Gli amanti esiste un’altra versione, sempre realizzata nel 1928, ma esposta alla National Gallery of Australia di Canberra.

Questa si discosta dalla prima per la posizione degli amanti che, in tal caso, sempre coperti dal telo si rivolgono allo spettatore, stagliati su uno sfondo verde rigoglioso.

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Gli amanti, versione presente presso la National Gallery of Australia di Canberra.

Da entrambi i quadri si evince la forte influenza metafisica di De Chirico, e soprattutto dal quadro Ettore e Andromaca, dove anche lì, gli amanti sono impossibilitati a baciarsi e ad esprimere il loro sentimento.

"Les Amants": il bacio (e l'amore) tra enigma e cecità

Antonella Buttazzo per L’isola di Omero

Romeo e Giulietta, il dipinto di Frank Dicksee: la passione trasformata in arte

Nel 1884 l’illustratore e pittore britannico Frank Dicksee diede vita ad un’opera che colpisce ancor oggi sensibilmente per la passione che attraversa i soggetti rappresentanti. La storia d’amore ritratta in questo dipinto, collocato al Southampton City Art Gallery, è quella di Romeo e Giulietta.

L’arte visiva, come in molti altri casi nella storia dell’arte, si fonde con la letteratura avendo dato vita alla narrazione sviluppata da William Shakespeare a fine ‘500. I due amanti vengono fotografati sulla tela con gli occhi chiusi per essere completamente persi nel momento del bacio.

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Romeo e Giulietta (1884), Frank Dicksee.

Il braccio di Giulietta afferra al collo il suo amante, anche se la mano dell’uomo cerca idealmente di contrapporsi. Nel dipinto è presente la frustrazione e la tragedia dell’intera opera letteraria. La passione è tale che Romeo non può nemmeno passare nella stanza prima di abbracciare la donna da lui amata. Rischiare TUTTO per amore è la massima espressione di devozione.

L’opera in questione risente fortemente dell’influenza romantica, tanto da richiamare immediatamente alla memoria capolavori come Il bacio di Hayez.

Dicksee condivideva alcuni tratti stilistici e tematici della confraternita preraffaellita, raffigurando l’amore tra Romeo e Giulietta in toni realistici ma che al tempo stesso contengono una sfumata cifra di incanto, il segno dell’idillio della loro passione e della loro innocenza, evocate anche cromaticamente dal colore d’abiti della coppia.

Frank Dicksee (1853-1928).

Le piante in primo piano vogliono probabilmente sottolineare la naturalezza con cui gli amanti si sono reciprocamente concessi. Nella sua magnificenza, il palazzo retrostante non incombe nè accoglie, ma si rivela in una dimensione sospesa che non è nessuna delle due cose ma allo stesso tempo rivela entrambe; mentre la città di Verona, che si lascia appena intravedere, è ancora solo un pallido e indegno sfondo che soltanto la passione dei due potrà redimere. La scena cerca di esprimere il senso più profondo dell’opera shakespeariana: superare gli ostacoli per amore, qualunque cosa accada.

Cosimo Guarini per L’isola di Omero

The Kiss (Il bacio) e la tenerezza primordiale di Costantin Brancusi

Rappresentare l’amore attraverso un blocco di pietra. Raccontare la dolcezza di un momento, cogliere la magia di due sguardi che si incrociano, la tenerezza di due corpi che si fondono l’uno nelle braccia dell’altro.

Costantin Brancusi, scultore di origine romena, è riuscito a concentrare in un’unica opera la purezza di un sentimento. The Kiss, ispirato all’omonima scultura eseguita da Rodin, fu realizzato tra il 1907 e il 1908.

Rodin- Il bacio.

Ma se il maestro francese avvolge le due figure in una spirale, Brancusi pone le due figure in posizione speculare, con gli occhi e le bocche che si fondono in un tutt’uno. La fusione totale delle due anime di pietra è interrotta solo da una linea verticale che divide i due corpi, incurvandosi leggermente in corrispondenza dei seni della donna: un connubio di superficie dura e volumi chiusi che conferisce un
carattere introverso al soggetto rappresentato.

E così il tema degli amanti viene proposto da Brancusi con un sintetismo estremo, primordiale e arcaico che fa pensare subito alla vitalità intima della scultura romanica o alla forza sintetica dei primitivi. Ma al di là dei valori figurativi, al di là della perfezione formale, al di là del dare origine alla
modernità in scultura, c’è un elemento che accomuna tutte le sue opere ed è la tenerezza.

Da un lato c’è infatti in Brancusi una nostalgia della leggerezza, dall’altro lato la forza degli affetti determina il peso, il legame alla terra. Il Bacio ben evidenzia questo dualismo, con l’abbraccio che è indissolubile, totale,
esprimendo così non il fenomeno dell’abbraccio ma la sua essenza immutabile.

Modigliani – Testa di donna.

Con questa scultura, Brancusi affermò l’uso organico e puro della forma che sarebbe diventato il suo marchio di fabbrica e che avrebbe influenzato il lavoro di numerosi artisti, tra cui anche Amedeo Modigliani.

Rosa Araneo per L’isola di Omero

Il bacio di Hayez: l’incontro di passioni e misteri

In tutto il suo spettacolare lirismo poetico, Il bacio, del pittore italiano Francesco Hayez (Venezia, 1791- Milano, 1882) si impone come autentico manifesto dell’arte romantica italiana.

L’opera presenta, apparentemente, la passione di un fuggevole bacio fra due innamorati. L’ambientazione è quella tipica medievale, come si può ben cogliere dai costumi dei personaggi e, non meno, dall’interno del castello che in un solo quadro racchiude una serie di peculiarità.

Innanzitutto, alla destra dei due amanti, vi sono tre scalini che lasciano intendere una soluzione negativa o, quanto meno, presagiscono l’interruzione del momento romantico. Allo stesso modo, la loro sinistra è occupata da una colonna che anticipa un arco gotico. La scena, dunque, non appare affatto chiusa, al contrario essa annuncia una sorta di fuga.

Fra i due personaggi, però, sembra essere l’uomo a percepire questo attivismo, poiché caratterizzato da una flessibilità che si coglie sia dalla sua postura (la gamba poggiata sul primo scalino), sia dal modo con cui trattiene il viso della donna in questo intenso bacio.

Al contrario, il corpo dell’amata è completamente assuefatto dalla situazione. Essa si lascia travolgere completamente, mostrandosi in tutta la sua arrendevolezza.

A porsi in contrasto con la sensualità dei corpi avvinghiati, è anche la presenza di un pugnale che si intravede grazie al movimento dell’uomo. Ciò potrebbe voler annunciare una dipartita, pertanto il bacio diviene angoscioso e drammatico.

Nonostante, come precedentemente annunciato, vi siano due punti di fuga, l’uomo sembra prediligere quello alla loro destra, dove vi sono i tre scalini posti in una struttura diagonale rispetto ai corpi.

Prescindendo lo schema geometrico e prospettico, una fuga a sinistra non rassicurerebbe neppure lo spettatore, poiché si intravede una misteriosa ombra sul fondo dell’arco. Vi sono state molteplici interpretazioni che, tuttavia, non sono state utili a spiegare di chi sia questa fantomatica ombra. Pare, comunque, si tratti dell’ombra di una domestica.

Dunque, dopo un primo veloce sguardo, la scena appare sensuale e passionale, mentre, mediante un’analisi più attenta, il dipinto si mostra più cupo.

Molto felice è, invece, il cromatismo del dipinto, caratterizzato dal rosso/ marrone degli abiti di lui e dal celeste di quello di lei, che spiccano fra i colori tenui delle mura. Si può affermare sia frutto dell’eredità di Giorgione e Tiziano Vecellio.

L’opera, però, non si limita a ciò, poiché sottintende degli aspetti cruciali di un periodo contrassegnato da ideali nazionalistici – patriottici, in virtù dei quali molti hanno potuto vedere il riflesso di un’Italia unita che vi sarà a breve.

Il grande capolavoro di Hayez è oggi conservato presso la Pinacoteca di Brera, la quale gli conferisce sempre la luce perfetta per la contemplazione e uno spazio adatto per sognare, seppur con qualche titubanza, un lieto fine.

Angela Cerasino per L’isola di Omero

Il bacio: dall’Italia ebbe inizio il ”periodo aureo” di Klimt

Due passionali amanti si stringono nel momento di un bacio intenso. L’uomo tiene la testa dell’amata con estrema dolcezza, protendendosi verso di lei in segno protettivo.

Il bacio è uno dei più celebri dipinti dell’artista austriaco Gustav Klimt. Si tratta di un olio su tela di 180 x 180 cm. Attualmente l’opera è conservata presso l’Österreichische Galerie Belvedere di Vienna.

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Il bacio di Gustav Klimt (1907-08)

I due amanti indossano entrambi delle vesti mosaicate, che enfatizzano l’obiettivo professato da Klimt; ovvero quello di celebrare la forza dell’eros.

Tecnica utilizzata:

L’opera è caratterizzata dall’uso significativo del color oro. Una tecnica che non può non riportare alla memoria quella utilizzata per la realizzazione dei mosaici bizantini. Del resto, lo stesso pittore austriaco poté ammirare tale soluzione stilistica in seguito ad un viaggio compiuto a Ravenna nel 1903 (circa quattro anni prima di dedicarsi a Il bacio).

Con il nome di periodo aureo, infatti, si tenda ad indicare la fase in cui Klimt decise di impegnarsi nella produzione di quadri con l’utilizzo del color oro. Tale scelta portò conseguentemente alla perdita della profondità spaziale visiva nel dipinto.

Gustav Klimt
(Baumgarten, 14 luglio 1862 – Vienna, 6 febbraio 1918)
Gustav Klimt, Judith II.jpg

Giuditta II (1909)

Gustav Klimt e la fine del periodo aureo:

Il periodo aureo si concluse nel 1909 con l’esecuzione di Giuditta II, seconda raffigurazione dell’eroina ebrea che liberò la propria città dalla dominazione assira: l’opera, caratterizzata da cromie più scure e forti, darà infatti avvio al cosiddetto periodo maturo dell’artista.

Cosimo Guarini per L’isola di Omero

Gioacchino ed Anna: l’elegante sensualità del primo (vero) bacio della storia dell’arte

Il primo bacio non si scorda mai.

Soprattutto non si può dimenticare il primo (vero) bacio della Storia dell’Arte, che si fa risalire al grande interprete del Trecento italiano, Giotto.

I due innamorati sono Anna e Gioacchino che, già anziani, non erano riusciti a procreare e per questo erano stati bollati come maledetti dai Rabbini del Tempio. Gioacchino, per la vergogna, fugge tra i pastori lasciando Anna da sola, che passa le giornate pregando in un miracolo. Miracolo che puntualmente avviene: infatti Anna sarà madre di Maria, e Gioacchino può fare finalmente ritorno a casa.

Il momento che Giotto decide di rendere per sempre immortale è quello dell’incontro tra i due coniugi alla Porta d’Oro di Gerusalemme, dopo 30 giorni di lontananza. Il sentimento li travolge: Anna corre tra le braccia di Gioacchino, i due anziani si stringono, si fissano negli occhi, si baciano appassionatamente come due adolescenti.

Non è solo il bacio in sé per sé, ma i gesti che essi compiono a trasmettere il senso di amore e di appartenenza che li rappresenta. Sembrano compenetrare l’uno nell’altro in una fusione che ben simboleggia ciò che è l’amore: l’unione di due entità in un solo, unico, essere.

Il bacio è la più bella espressione dell’amore e da questo momento in poi sarà raffigurato dagli artisti di tutte le epoche e in tutti gli stili, come sublime rappresentazione dell’estasi tra due innamorati.

Panoramica del luogo in cui è collocato l’affresco (Cappella degli Scrovegni, Padova)

articolo di Rosa Araneo

Amore e Psiche, l’attimo prima del bacio. La passione intensa dell’attesa

Amore e Psiche è un gruppo scultoreo realizzato da Antonio Canova tra il 1787 e il 1793. Attualmente è conservato presso il Louvre di Parigi.

In pochi sanno che esiste una seconda copia, esposta al Museo Ermitage di San Pietroburgo in Russia.

Cosa simboleggia l’opera?

Canova fissa nel marmo uno dei momenti più passionali descritti nell’Asino d’oro di Apuleio.
L’opera raffigura, con un erotismo sottile e raffinato, Amore e Psiche nell’attimo che precede il bacio, preannunciato dall’atteggiamento dei corpi e degli sguardi che si contemplano l’un l’altro con una dolcezza di pari intensità: le loro labbra, pur essendo estremamente vicine, non sono ancora unite. Cosa accade nei momenti precedenti ad un bacio?  Come agiscono i corpi? E la mente cosa pensa? L’autore cerca la risposta a queste domande realizzando due strutture che si intersecano con estrema naturalezza.